Agenda loisirs artistiques à Montlucon
Photographe spécialisé dans les cours et ateliers photos, j'aime partager ma passion et voir les progrès fait par les participants. Vous aimez faire des photos, mais vous n'êtes pas à l'aise avec la t...
Ramuntcho MATTA Les Champs du Chant Exposition du 15 juin au 15 septembre 2018 Vernissage le 15 juin à 18 h Galerie ECRITURES 1 rue Pierre PETIT 03100 MONTLUCON Il y a bien longtemps que je voulais proposer une exposition à Ramuntcho MATTA, artiste multimédium. Car s'il est musicien, la rencontre avec Ramuntcho ne s'est pas faite seulement autour de la chanson et de la musique, mais elle s'est faite dès les années 80 à travers la poésie et la peinture, grâce à Brion GYSIN. C'était au début de la création d'ECRITURES, j'allais souvent à Paris chez Brion qui a collaboré tout de suite à la revue. Il m'a rapidement fait rencontrer Ramuntcho qu'il aimait beaucoup et dont il appréciait le travail. Avec Ramuntcho, nous ne nous sommes pas souvent retrouvés chez Brion, car ce dernier aimait recevoir individuellement les gens qu'il appréciait, mais nous parlions souvent de lui. A cette époque, en plus de l’écriture et de la peinture, la musique était présente aussi, que ce soit celle de Ramuntcho ou de Genesis P-Orridge, que nous faisait écouter Brion en expérimentant la Dream Machine. Puis est arrivée l'époque de « Toi, toi mon toit » et Ramuntcho m'a fait découvrir ses autres créations en collaboration avec Brion Gysin, Don Cherry, Elli Medeiros, Polo Lombardo, Lou Reed .... Le graphisme de ses pochettes d'alors m'avait beaucoup plu avec des écritures et des dessins qui racontaient des histoires comme celles que l'on retrouve dans son travail d'aujourd'hui. J'avais très envie que Ramuntcho montre ses créations à la galerie, ici à Montluçon, et alors qu'il a gentiment accepté, nous avons convenu de réaliser un carnet autour du travail qu'il nous présente dans cette exposition, carnet que nous avons édité et qui sera en vente à la galerie.
Entre Elli Medeiros, Don Cherry, William Burroughs et Lou Reed, il y a Ramuntcho MATTA Ramuntcho Matta est un artiste pluridisciplinaire français né le 4 février 1960 à Neuilly-sur-Seine. Il est le fils du peintre chilien Roberto Matta, frère du plasticien et architecte Gordon Matta-Clark et de Federica Matta, il a vécu dans une illustre famille de créateurs en choisissant d'abord la musique comme principal support, notamment lorsqu'il habitait à New-York à la fin des années 70. Diagnostiqué autiste à la naissance, sa thérapie reposera sur l’apprentissage de la musique et du yoga. À 7 ans, il s’initie à la guitare auprès du Cuarteto Cedrón. En 1974-1975, il intègre successivement la Schola Cantorum pour le piano et le Conservatoire Rachmaninoff pour l'harmonie.
À l'âge de quinze ans, il fréquentait déjà Burroughs, Don Cherry, les poètes beat mais surtout Brion Gysin, poète sonore et écrivain beat américain qui avait élu résidence à Paris, et véritable inventeur de la technique du cut up selon Burroughs. « Je suis tombé sur un directeur d'école quand j'avais 15 ans qui m'a fait un deal : tu viens en cours de philo et de poésie et je ne dirai pas à tes parents que tu ne vas pas à l'école. Je veux que tu ailles faire les courses pour un ami à moi qui est très malade. Cet ami c'était Brion Gysin. Je me suis trouvé l'assistant et le secrétaire de Brion Gysin. Mais surtout je découvre Burroughs, Iggy Pop, David Bowie, Ginsberg. Je lis ce livre qui s'appelle The Third Mind qui montre, qu'à deux personnes, on peut créer une troisième personne. Donc mon travail, quand je travaille avec un artiste, avec un autiste, avec un musicien, c'est essayer de voir ce qu'il y a en lui, c'est pas de projeter. J'ai une espèce de don pour rendre la personne à l'aise avec son mal-être ».
En 1979, il part étudier à la "Third Street School of Music" à New York. Il rencontre Laurie Anderson qui lui expose ses concepts architecturaux appliqués à la composition et rencontre John Cage. En 1981, il rencontre Don Cherry et initie avec lui une collaboration musicale qui donnera naissance à plusieurs albums. À partir de 1984, il collabore avec une artiste uruguayenne, Elli Medeiros, sa future épouse ; il élabore avec elle une chanson « Toi mon toit », suivie de plusieurs albums trouvant une possibilité de modeler une nouvelle pop française mêlée d’influences afro-cubaines. Le tube "Toi, Mon Toit". De nature discrète, il fut mis à la lumière avec la composition et la production du titre « Toi mon Toit », tube d’Elli Medeiros sorti en 1986, soit une paire d'années après Les Nuits de la Pleine Lune de Rohmer et la séparation du duo Elli & Jacno. Ce morceau, à l'image du parcours de Ramuntcho Matta, lui est arrivé dessus de manière plutôt accidentelle, alors qu'il n'aspirait pas nécessairement à pénétrer l'industrie du disque : « Je fais une grand distinction entre l’art et l’industrie du disque. Ça m’est tombé dessus, je n’ai rien fait pour, ma mère est tombée malade et je suis tombé amoureux. Pour Toi Mon Toit, j’avais en tête un morceau de Meredith Monk qui faisait « you you you you », et moi j’entendais « toi toi toi toi », c’est comme ça que « Toi Mon Toit » est née. C’était une vraie chanson d’amour. » « Après "Toi Mon Toit », beaucoup de maisons de disques m’ont donné beaucoup d’argent pour refaire des tubes. Mais moi ça ne m'intéressait pas, j’allais à fond dans la direction de l’artiste. Les mecs de maisons de disques gueulaient, mais je leur disais que c’était précisément mon travail, d’accompagner les artistes. »
Après ce début de carrière artistique dans la musique de style variété pop rock à la fin des années 70, il s'oriente plus tard sur des sujets de création plus singuliers dans lesquels il utilise aussi les arts plastiques par delà son travail de compositeur afin de donner forme à des questionnements, des sujets de création plus singuliers et complexes utilisant parfois le son, le dessin, la vidéo, l'espace, les mots ou des combinatoires. En 1989, il monte un studio d'enregistrement au Portugal. De 1991 à 2000, en tant que consultant en arborescence émotionnelle et concepteur sonore, il travaille sur des habillages sonores, des projets de CD-roms éducatifs, des scénographies interactives. Il enseigne une méthodologie du doute et est directeur du Bureau du doute à l’ENSCI. Depuis 2000, Ramuntcho Matta développe sa pratique artistique et collabore au sein du label SometimeStudio à la production d’artistes soit oubliés, soit à découvrir. En 2008, il fonde le projet Lizières, plateforme de réflexion et d’échanges autour des notions de cultures et de ressources, avec pour objectifs de faire sortir l'avant-garde de son isolement et de donner des espaces de liberté à l'expérimentation. En 2011-2012, il réalise un long métrage, Intimatta, consacré à son père l'artiste Roberto Matta, qui reçoit le soutien du Conseil national de la télévision chilienne Chris Marker en tentant de définir son travail trouva l'adjectif: "multimedium". En tant que compositeur, il a réalisé 23 CD solo et a collaboré à une vingtaine d'autres disques. Il a exposé ses travaux multimediums à Paris, New York, Londres, Madrid, Barcelone, Tokyo et Rome. Depuis toujours, Ramuntcho Matta semble avoir passé son temps à semer ses poursuivants, des requins de maisons de disques aux promoteurs, producteurs ou mécènes plus ou moins mal intentionnés. (« Si on veut avancer, il faut rester dans l’ombre. C’est de là qu’on voit le mieux la lumière »). « Avec Laurie Anderson, j’ai découvert la construction sonore. Avec Robert Wilson, j’ai découvert certaines notions de scénographie et d’espace. Avec Don Cherry, j’ai découvert une conscience du jazz, de l’improvisation... Avec Brion Gysin, j’ai découvert la narration. Avec Félix Guattari, j’ai découvert le multiple. Avec John Cage, j’ai découvert l’aléatoire. Avec Chris Marker, j’ai découvert la synthèse. Avec la musique, j’ai découvert la complémentarité. Avec mon père, j’ai découvert le ”regarder”. Avec mon chat, j’ai découvert le ronronnement. »
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Dérouler le texte
Pierre LAFOUCRIERE « Les Musiques du Silence » Vernissages le vendredi 02 juin à 19h Fonds d’Art Moderne et Contemporain et le samedi 03 juin à 11h Galerie Ecritures Expositions du 03 juin au 23 juillet 2017 Visite en compagnie de l’artiste samedi 03 juin 2017 à partir de 14h00 Au Fond d’Art Moderne et Contemporain
A l’occasion des 90 ans de Pierre LAFOUCRIERE, la municipalité de Montluçon et la Galerie Ecritures vous proposent une exposition rétrospective de son travail. A cette occasion sera présentée la monographie publiée par Ecritures : Pierre LAFOUCRIERE « Un Chemin de Lumière ». Né en 1927 à Louroux-de-Bouble (03), Pierre Lafoucrière vit et travaille à Meudon et dans l’Allier. Parti de la figuration, son itinéraire l’a mené d’une peinture aux couleurs fortes et riches à une vision transcendée de la nature, à la fois raffinée et plus écrite. Deux rencontres ont profondément marqué sa vie de peintre : Paul Gay dans les années 50, Nane Stern en 1974. Peintre de la lumière et de la transparence, Pierre LAFOUCRIERE est très inspiré par l’art sacré. Il est d’ailleurs revenu à ses passions premières en réalisant des vitraux à Louroux-de-Bouble, mais aussi à Corny (11 fenêtres) et Pont de l’Arche (4 fenêtres) dans l’Eure, ceux de l’église claustrale de Ligugé (86) (35 fenêtres) et dernièrement ceux du centre diocésain de Saint Désert (72).
Inspiré aussi par les auteurs et ami des poètes, il a illustré des éditions originales de J.M. BARNAUD, Alain BORNE, Louis DALLANT, Henri KREA, Jean-François MANIER … Il a également calligraphié et illustré de manière monumentale la « Messe sur le Monde » de THEILLARD de CHARDIN, acquise par le Musée MANDET de RIOM. « L’art peut-il être gai et profond ? L’oeuvre de Pierre Lafoucrière dont la peinture heureuse puise ses arguments dans la lumière et les débats de la couleur, le prouve à l’envi. “L’art ne reproduit pas le visible, il rend visible” disait Paul Klee. C’est justement ce que réussit Pierre Lafoucrière. Ce qu’il nous donne à voir c’est de quelque façon notre joie d’exister. Cela commande mieux que l’admiration, la gratitude. » Jean-Pierre Siméon, écrivain, poète, auteur dramatique, actuellement directeur artistique national de la manifestation « Le printemps des Poètes ».
Loin de la Poussière Quand l’homme se laisse aveugler par les choses, il se commet avec la poussière. Quand l’homme se laisse dominer par les choses, son cœur se trouble. Un cœur troublé ne peut produire qu’une peinture laborieuse et raide, et conduit à sa propre destruction. Quand ténèbres et poussière contaminent le pinceau et l’encre, c’est la paralysie ; dans pareille impasse, l’homme a tout à perdre et rien à gagner, et finalement rien n’y pourra plus réjouir son cœur. Aussi, je laisse les choses suivre les ténèbres des choses, et la poussière se commettre avec la poussière ; ainsi mon cœur est sans trouble, et quand le cœur est sans trouble, la peinture peut naître.
Oeuvres dans les collections publiques : • Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris • Musée d’Art Contemporain du Vatican • Musée Français de la Carte à Jouer • Issy-les-Moulineaux • Musée de Lidice • Musée Bertrand, Châteauroux • Musée de Celle, Allemagne • Musée d’Art et d’Histoire, Meudon • Musée Municipal, Evreux • Musée de la Lithographie, Saint-Pourçain-sur-Sioule • Musée Municipal, Saint-Ouen • Musée d’Evreux • F.R.A.C. Auvergne • Fonds d’Art Contemporain, Gennevilliers • Fonds d’Art Contemporain, Montluçon • Fonds d’Art Contemporain, Conches • Collection du Conseil Général des Hauts-de-Seine • Collection du Conseil Général de Haute-Normandie • Collection I.F.I. 03, Avermes • Mairies : Boëge, Commentry, Louroux-de-Bouble
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Gérard GUYOMARD EXPOSITION de dessins du 11 mars 2017 au 27 mai 2017 Galerie ECRITURES 1 rue Pierre Petit 03100 MONTLUCON vernissage le 11 mars à partir de 10 h 30 Gérard Guyomard, artiste peintre né en 1936. En 1992 Guyomard est devenu un peintre que l’on dit "important". Il a une place reconnue sur l’échiquier des arts plastiques en France et au-delà des frontières (il a notamment montré ses travaux dans plusieurs musées japonais). Il a même ce que l’on appelle une cote : ses tableaux se vendent plutôt bien. De telle sorte que, dans son édition supplémentaire de 1992, le Grand Larousse Universel publie une notice sur lui, avec une grande reproduction de « N’importe quoi n° 23 » ; la notice indique en conclusion que Guyomard est "un des représentants les plus originaux de la figuration en France."
Gérard Guyomard est l’un des acteurs du mouvement de la Figuration Narrative (Jacques Monory, Peter Klasen, Erro, Télémaque, Rancillac, etc.) Si ses comparses peintres se sont beaucoup engagés dans des combats politiques au cours des années 1960-1970, Gérard Guyomard a, quant à lui, mené sa révolte à travers une peinture à haute teneur érotique et grivoise, son amitié avec Georges Pérec n’est pas innocente. Citant aussi bien Paul Klee que les Tontons Flingueurs, Jérôme Bosch que le mouvement punk, cet artiste à tendance anarchiste, s’avère un formidable brasseur et mixeur d’images et de techniques. Dans une palette souvent vive, ses lignes sinuent entre plusieurs formes, passent de l’intérieur à l’extérieur, d’un motif à l’autre, sens dessus dessous, sans hiérarchie ni fin… Des œuvres allègres et réjouissantes.
Les années 60 ont été le socle sur lequel s’est élaborée la peinture de Gérard Guyomard, dont la carrière a démarré en 1964. Les œuvres de cette période sont imprégnées de couleurs, de formes qui rappellent «Yellow Submarine», le dessin animé des Beatles, ou «Pravda la survireuse», la bande dessinée de Guy Peellaert. Ces liens formels illustrent les années Pop ou « psychédéliques » et le travail même de Guyomard qui s’inspire - déjà - de photographies extraites de magazines. On peut également rapprocher la création de Gérard Guyomard des productions du mouvement du Pop Art américain. Dans une toile de 1968, « Brian Jones et Mick Jagger », Guyomard ne peint-il pas, à sa façon, les icônes rock de l’époque comme Andy Wahrol sérigraphie Elvis ou Marylin ? Si le peintre reconnaît avoir emprunté au Pop Art américain, c’est davantage à Roy Liechtenstein, célèbre pour ses peintures-agrandissement de cases de bandes dessinées. « De Liechtenstein, que j’aimais beaucoup, j’ai retenu le trait et l’aplat, l’aspect linéaire. Bien sûr, il existe une passerelle entre mon travail et le sien, du fait de la récupération d’images de magazines, de programmes télévisés ou de journaux. Le Pop Art a beaucoup utilisé la société de consommation, mais de notre côté, en Europe, notre peinture a toujours été beaucoup plus en rapport avec la culture. Nous nous sommes beaucoup inspirés des anciens. » Guyomard fait sans doute référence à Henri Matisse, dont on peut reconnaître le trait et quelques nus féminins dans une toile comme « Eclair » (1965).
Des graffitis avec des dessins humoristiques Paul Klee, peintre poète suisse, compte également parmi les influences de Guyomard qui « comme [lui], est un visionnaire et non un surréaliste (...). Observons par exemple, [de Klee], Analyse des diverses perversités (1922) et, [de Guyomard], Moumoune (1964). J’ignore (...) si Guyomard s’est réellement inspiré des modulations roses et mauves dans l’arrière-plan de l’aquarelle du professeur au Bauhaus pour peindre le fond de dégradés allant subtilement du blanc cassé au rose de son propre tableau, mais comment ne pas s’émerveiller de la parenté des états d’esprit des deux créateurs ? », constate Jean-Luc Chalumeau dans une monographie consacrée à Gérard Guyomard. De telles influences rendent définitivement impossible le classement de l’artiste dans la « case » Pop Art. Supporte-t-il l’appellation « Figuration narrative », inventée par le critique d’art Gérald Gassiot-Talabot, et qui réunit des peintres tels que Bernard Rancillac, Hervé Télémaque, Peter Klasen ? « Mais nous n’avons jamais eu de manifeste, comme en avaient un les “Nouveaux Réalistes”. Notre travail était en réaction au mouvement abstrait, prédominant dans les années 60. Certains avaient une peinture politique, d’autres une peinture mécanique. Moi, de 1964 à 1972, j’ai fait des graffitis avec des dessins humoristiques tirés de journaux », rappelle l’artiste. En 1973, Gérard Guyomard fait volte-face et change à nouveau de voie ; il prend des risques, remet sa peinture en question. « J’ai voulu retrouver la peinture abstraite à partir de la figuration, en faisant des peintures fonctionnant par superpositions, utilisant les arabesques que créent des personnages en mouvement. » Cette nouvelle période dure jusqu’en 1988.
Le recours au numérique « Je suis un additif », affirme le peintre, toujours en quête de matière existante pour composer ses toiles. Il utilise depuis 1985 une technique héritée de son expérience de restaurateur de tableaux au Musée du Louvre, qui lui permet de transposer fidèlement, selon Jean-Luc Chalumeau, « n’importe quel élément (...) susceptible de nourrir la composition ; découpages pris dans des magazines, photographies, morceaux de tableaux anciens, dessins etc. ». Le développement des techniques numériques lui permet d’élargir sa palette d’images : « Je peux passer des nuits entières à prendre des photos de la télévision. » Gérard Guyomard et son œuvre demeurent insaisissables. Toutefois, il est possible de déceler des constantes comme l’indépendance, la recherche permanente, l’écoute du monde qui l’entoure, et bien sûr l’omniprésence de la narration. Gérard Guyomard est dans une forme pétaradante, son rire toujours plus hénaurme, ses toiles formidablement d'actualité à un moment où, comme jamais, le trop d'info est en voie de complètement détruire l'info, en effet. Guyomard n'a décidément pas son pareil pour capter l'air du temps : il n’y a qu’à voir ses séries « Au-delà de cette limite votre vision n'est plus valable » (1984), « La stratégie de l'atelier » (1989), « N’importe quoi tout à fait» (1991), Je vais te dire (1999), « Aloteou » (2003) etc. etc. Pour gaver cette dernière d'images nouvelles, Guyomard était devenu un lecteur assidu de Femina, Gala et du catalogue des Trois Suisses. C'est grâce à cela que nous avions pu voir une femme en soutien-gorge noir, un portrait de blonde maquillée, une voiture et un équipement de bureau complet, sans oublier le chien Pluto, plutôt venu de l'enfance du peintre que des œuvres de Walt Disney. Des cadres s'emboîtaient verticalement et horizontalement, de larges plages de couleur vive (mauve, orangée, verte, rouge) vibraient intensément... Aujourd’hui c’est toujours la même chose mais en plus fort, plus fou, plus saturé. Rassurez-vous, l'artiste y retrouve ses petits, c'est l'essentiel. Il s'agit, selon ses mots, comme hier, « d'ensembles superposés où tout se devine, - rien n'est dit - la couleur explose à haute dose - l'œil cherche longtemps et patiemment où aboutissent les lignes, elles divergent, convergent et se perdent : la lecture est à reprendre. » Avec Guyomard, en 2003 comme aujourd'hui, la lecture est toujours à reprendre. Les tableaux de Gérard Guyomard racontent peut-être des histoires. Mais alors ce ne sont pas des récits. Une page de Burroughs est-elle un récit ? » Un tableau de Guyomard se reconnaît à plusieurs kilomètres de distance. S’il observe les passants sortir d’une bouche de métro, il superpose sur son dessin toutes les silhouettes et ne supprime rien. Ce qui, pour des gens d’images photographiques ou cinématographiques, s’appellerait rémanence devient pour le peintre le moyen de donner à sa peinture l’épaisseur de la mémoire et le souvenir du mouvement. Mais le réel que capte Gérard GUYOMARD est également celui de son monde intérieur projeté sur le tableau. Et la toile du peintre, avec ces deux approches du réel, devient, comme pour le photographe, la surface sensible sur laquelle ces images intérieures ou extérieures viennent s’imprimer, fantômes piégés par le peintre dans un séduisant arrêt sur image La peinture de Gérard Guyomard est semblable à son rire tonitruant, elle éclate sous son grand chapeau dans la joie de vivre du quotidien.
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Exposition d'œuvres récentes, pastel gras sur toile ou sur papier
Un de ceux qui feront sans doute l’avenir de l’art a pris possession pour trois mois de la galerie Ecritures. Rémy PASTOR n’a pas trente ans et c’est sa deuxième exposition personnelle. Pas pressé, mais ses huiles et pastels séduisent déjà et mettent « prometteur » dans la bouche des visiteurs connaisseurs. Le terme pourtant est maladroit. L’artiste, lui-même fait remarquer qu’on « n’est pas peintre à trente ans », mais on sait des sexagénaires qui voudraient lui couper la main pour se la faire greffer. Cette main « dans laquelle est la pensée », dit-il. « La peinture est un acte spontané et manuel », lâche ce précoce bon vivant, visiblement ennuyé d’user de mots sérieux. Spontanéité toute relative. Le coloriste adepte des techniques lentes reconnaît qu’il « cherche la difficulté ». « Ce n’est pas une règle, mais depuis dix ans que je peins, je n’ai pas envie de me lancer dans ce qui serait le plus naturel pour moi, à savoir l’abstrait. Alors je travaille la forme, je me laisse attirer par une certaine figuration. Avec tout ce que cela comporte d’impossibilités. On est en 1993 ». Un autre mot dans les murmures visiteurs : « Matisse ». Corps ronds et lourds, compositions posées, un peu source de malaise, couleurs très travaillées, souvent assombries, froides, qui veulent « recréer des ambiances métaphysiques ». Mais cette série de toiles est un passage. Comme les dessins, un peu plus récents, « faits cet été sur la plage », et marqués de vent et de lumière. Rémy Pastor sait que la suite ne sera pas forcément pas la même chose. Ce sera au moins la même force. Ludovic MARECHAL, LA MONTAGNE, mars 1994
Pastor, en quête d’un état de grâce pictural Pastor a toujours voulu peindre. Il peint depuis une douzaine d’années, justement pour apprendre. Pour apprendre par lui-même, puisqu’il n’a jamais pu intégrer les Beaux-Arts, ce qui l’a sans doute, malgré lui, sauvé du convenu, voire tenu à l’écart des sphères d’influence. Accueilli à la Galerie « Ecritures » il présente ses dernières créations et d’autres plus anciennes, des huiles quasi-monumentales et des petits bijoux de pastels baignés de lumière. A 32 ans, Pastor avance « sa vraie volonté de figurer pour se confronter à ce qu’il y a de plus dur ». Son « intérêt pour la figure humaine », il le trace à grands traits appuyés, par couches denses, de tons souvent rompus, qui se succèdent jusqu’à dévoiler leur âme.
Les grandes créatures au profil d’ours, « Le jeune garçon au verre de vin » ; « Le parasol du grand Miko » ; « la femme au nain » s’animent au premier regard, non par ce qu’elles semblent dire, mais plus par ce qu’elles taisent. Elles appartiennent à un tout, à l’émotion d’un moment auquel l’académisme de la maîtrise ne saurait donner plus de force. S’il qualifie son travail, et notamment ses gens, comme étant « à la limite du primitif » ; le jeune artiste cite volontiers, Fra ANGELICO, et MATISSE, quitte à ne pas paraître très « mode ». Il parle même « d’honnêteté », quand à la vanité de « faire des éclats », ce qui devrait résolument, aux yeux de certains, le ranger dans la catégorie des ringards…. C’est peut-être là d’ailleurs, le point le plus touchant de sa peinture, ce côté libre et « à part », en dehors des courants, qui laisse espérer l’avènement de quelque chose de nouveau. A grands jets d’âme, de gestes violents ou de caresses sensuelles, Pastor peint, jusqu’à l’insupportable parfois dit-il, pour que « quelque chose de magique arrive, dans cette quête perpétuelle d’un état de grâce ». Nul doute qu’il soit en bon chemin…. La MONTAGNE, 1er avril 1997
Rémy Pastor a la veine picturale dilatée. Son autodidactisme – mais peut-on dire d’un artiste qui a passé sa vie à contempler et observer les œuvres des maîtres qu’il est autodidacte ? – se double d’une créativité hors du commun. …. Les œuvres de Rémy Pastor ne proposent pas. Elles s’imposent. Et elles en imposent. Elles affirment la réalité d’un monde intérieur partagé entre une apparente naïveté et une redoutable maîtrise. L’innocence alliée à la force donne un résultat sans ambiguïté, tout en puissance et en sensualité. Devant elles, aucun doute n’est possible. Il y a un superbe élan dans cette peinture-là. Ce qui frappe d’abord, c’est le parfait équilibre de la toile. Une composition incontestable, sans à-coups, sans faille, sans la moindre trace de dérobade. Et puis les thèmes. Des corps humains amplifiés, structurés jusqu’à la sculpture, qui se devancent, se superposent, sortes de poupées russes athlétiques aux allures de bûcherons. Et puis le trait qui va à l’essentiel, comme dans les dessins d’enfants. Comme dans les peintures pariétales des grottes de Lascaux. Chaque toile a une histoire, secrète et cependant lumineuse. Le titre a valeur d’indice, de révélation. Il n’y a qu’à suivre la voie qui est montrée et la peinture de Rémy PASTOR éclate comme une évidence. Pas d’états d’âme inutiles, mais une grande candeur, une simplicité qu’il est d’usage de qualifier de biblique. Et peut-être bien qu’elle l’est. Il y a dans ce travail-là quelque chose qui rejoint la grandeur archaïque et monumentale de l’épopée. Josée BARNEIRAS
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L’école La Fontaine vous ouvre ses portes samedi 12 mars de 9h à 18h. Que vous soyez amateurs d’arts, étudiants ou encore parents d’enfants désireux de dessiner, les portes ouvertes sont pour vous. Découvrez le programme !
L'objectif des portes oubvertes et de faire découvrir aux amateurs d'arts et aux étudiants les formations dispensées par l'école.
L'ambiance est à la découverte et à la curiosité pour les amateurs d'arts. Cadre détendu, ambiance musicale.
La journée porte ouverte se déroule à l'école la fontaine de Montluçon.
Programme : A partir de 9h : concours de dessin 14h à 18h : Cours de copie de tableaux 9h à 18h : Visite des ateliers 17h30 : Bœuf musical par les élèves de MANAA 18h : remise des prix du concours de dessin
Montluçon 03100
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Exposition du 3 octobre au 28 novembre 2015 Vernissage le Samedi 3 Octobre à partir de 10h 30 Dans le cadre de l'exposition, lecture de textes de et par Jean Peysson "auteur ami de l'artiste qui développe dans son écriture un univers fort et singulier" et Valérie Vivier le samedi 17 octobre à 17 h
Né à Lyon en 1958, autodidacte, Patrice COLLECINI commence à exposer en 1977. C'est un peintre expérimenté qui a préféré se former seul et n'est pas resté aux Beaux-Arts de Lyon où il avait été admis. Depuis il ne se consacre qu'à la peinture et à la création. Dés les années 1985, il a travaillé la gouache sur différents papiers, petit et grand formats. Tout en travaillant d’autres techniques : pastels, acrylique et huile, il reste fidèle à la gouache.
Depuis ses débuts en 1977 au Salon d'automne de Lyon, ses œuvres ont été montrées dans des galeries françaises ou étrangères comme la Montage Gallery à Portland (1995), la galerie May à Megève (2004), la galerie Gottfried Stracke à Cologne (2009), la galerie Franklin à Lyon (2010), etc. Il exposa en 2009 avec le céramiste Xavier Duroselle et fut invité dans de nombreuses autres expositions collectives dont celle au prieuré de Manthes dans la Drôme en 2013, mais aussi « Art en capitale » en 2012 au Grand Palais à Paris.
Il a illustré quelques ouvrages comme « La poésie Ligurienne du XXe siècle » des Cahiers de Poésie-Rencontres (1999) et le livre de poésie « Images » aux Éditions Gaspard Nocturne (2001). Il est présent dans les collections du Conseil Général du Rhône, de la Ville de Lyon, du Conseil Régional de Rhône-Alpes et dans des collections privées partout en Europe mais aussi aux USA et au Canada.
RESUME DES PRINCIPALES EXPOSITIONS : 1977 Lyon Salon d’Automne 1985 Lyon Banque M M Morins Pons 1992 Nevers Galerie Jean-Marie Bignolas 1993 Saint Etienne Hyundaï Exposition Muriel Roche 1995 Portland (USA) Montage Galery 1997 Dieulefit Galerie Serge Emiliani 1999 Issy les Moulinaux Daniel Jouvance-Atelier Jean Eiffel 2003 Aix-en-Provence Centre Océasource-Daniel Jouvance 2004 Megève Galerie May 2009 Cologne Galerie Gottfried Stracke 2010 Lyon Galerie Franklin 2010 Villebois Atelier/Galerie, exposition permanente 2012 Paris Exposition collective au Grand Palais 2014 Paris Exposition GRAPHENES Mairie 5° 2015 Montluçon Galerie Ecritures
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Exposition du 3 octobre au 28 novembre 2015 Vernissage le Samedi 3 Octobre à partir de 10h 30 Dans le cadre de l'exposition, lecture de textes de et par Jean Peysson "auteur ami de l'artiste qui développe dans son écriture un univers fort et singulier" et Valérie Vivier le samedi 17 octobre à 17 h
Né à Lyon en 1958, autodidacte, Patrice COLLECINI commence à exposer en 1977. C'est un peintre expérimenté qui a préféré se former seul et n'est pas resté aux Beaux-Arts de Lyon où il avait été admis. Depuis il ne se consacre qu'à la peinture et à la création. Dés les années 1985, il a travaillé la gouache sur différents papiers, petit et grand formats. Tout en travaillant d’autres techniques : pastels, acrylique et huile, il reste fidèle à la gouache.
Depuis ses débuts en 1977 au Salon d'automne de Lyon, ses œuvres ont été montrées dans des galeries françaises ou étrangères comme la Montage Gallery à Portland (1995), la galerie May à Megève (2004), la galerie Gottfried Stracke à Cologne (2009), la galerie Franklin à Lyon (2010), etc. Il exposa en 2009 avec le céramiste Xavier Duroselle et fut invité dans de nombreuses autres expositions collectives dont celle au prieuré de Manthes dans la Drôme en 2013, mais aussi « Art en capitale » en 2012 au Grand Palais à Paris.
Il a illustré quelques ouvrages comme « La poésie Ligurienne du XXe siècle » des Cahiers de Poésie-Rencontres (1999) et le livre de poésie « Images » aux Éditions Gaspard Nocturne (2001). Il est présent dans les collections du Conseil Général du Rhône, de la Ville de Lyon, du Conseil Régional de Rhône-Alpes et dans des collections privées partout en Europe mais aussi aux USA et au Canada.
RESUME DES PRINCIPALES EXPOSITIONS : 1977 Lyon Salon d’Automne 1985 Lyon Banque M M Morins Pons 1992 Nevers Galerie Jean-Marie Bignolas 1993 Saint Etienne Hyundaï Exposition Muriel Roche 1995 Portland (USA) Montage Galery 1997 Dieulefit Galerie Serge Emiliani 1999 Issy les Moulinaux Daniel Jouvance-Atelier Jean Eiffel 2003 Aix-en-Provence Centre Océasource-Daniel Jouvance 2004 Megève Galerie May 2009 Cologne Galerie Gottfried Stracke 2010 Lyon Galerie Franklin 2010 Villebois Atelier/Galerie, exposition permanente 2012 Paris Exposition collective au Grand Palais 2014 Paris Exposition GRAPHENES Mairie 5° 2015 Montluçon Galerie Ecritures
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Depuis quelques années, Lafoucrière paraît être entré dans une perspective poétique dictée par une appréhension moins baroque, à la fois plus raffinée et plus écrite, de l’espace et du signe vital. Cette vision transcendée de la nature doit à la lumière une part de sa très attachante qualité. Parallèlement à la peinture, il se consacre à des réalisations murales dans le domaine de l’art sacré. Pierre Lafoucrière met aussi son art au service de ses amis poètes (Alain Borne, Henri Kréa, Jean-François Manier…).
Oeuvres dans les collections publiques : Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris Musée d’Art Contemporain du Vatican Musée Français de la Carte à Jouer Issy-les-Moulineaux Musée de Lidice Musée Bertrand, Châteauroux Musée de Celle, Allemagne Musée d’Art et d’Histoire, Meudon Musée Municipal, Evreux Musée de la Lithographie, Saint-Pourçain-sur-Sioule Musée Municipal, Saint-Ouen F.R.A.C. Auvergne Fonds d’Art Contemporain, Gennevilliers Fonds d’Art Contemporain, Montluçon Fonds d’Art Contemporain, Conches Collection du Conseil Général des Hauts-de-Seine Collection du Conseil Général de Haute-Normandie Collection I.F.I. 03, Avermes Mairies : Boëge, Commentry, Louroux-de-Bouble
L’art peut-il être gai et profond ? L’oeuvre de Pierre Lafoucrière dont la peinture heureuse puise ses arguments dans la lumière et les débats de la couleur, le prouve à l’envi. On pourrait, à bon droit, parler d’abstraction lyrique à son propos. Ce serait trop vite dit. On devine en effet dans ses compositions alertes une telle gourmandise de la matière, fût-elle de l’énigme et de l’émotion, c’est-à-dire d’un second degré du réel, qu’elles n’ont pu naître, on le sent bien, que d’un commerce amoureux avec le concret du monde. Lumière, mouvement, couleurs - or et bleu surtout - sont les instruments primordiaux d’une quête spirituelle qui scrute les formes et leurs mystères à l’état naissant. Perpétuelle genèse, oui, que ces ruptures et déploiements tracés sur la toile ou plutôt captés dans la transparence. Il y a là une telle légèreté du geste alliée à une si juste maîtrise - celle du maître-verrier - qu’on reste confondu, comme devant un ciel de Turner, face à l’apparition des secrètes nuances de la vie. Familier de l’oeuvre des poètes que souvent il accompagne et enlumine, animé comme eux de la fiévreuse quête qui tente l’incertain et l’indistinct, ce peintre-ci est naturellement tout appliqué aux rythmes, aux assonances, aux variations mélodiques. On dirait toujours qu’apparaît sous nos yeux la matière claire et fragile d’un poème.
Loin de la Poussière Quand l’homme se laisse aveugler par les choses, il se commet avec la poussière. Quand l’homme se laisse dominer par les choses, son cœur se trouble. Un cœur troublé ne peut produire qu’une peinture laborieuse et raide, et conduit à sa propre destruction. Quand ténèbres et poussière contaminent le pinceau et l’encre, c’est la paralysie ; dans pareille impasse, l’homme a tout à perdre et rien à gagner, et finalement rien n’y pourra plus réjouir son cœur. Aussi, je laisse les choses suivre les ténèbres des choses, et la poussière se commettre avec la poussière ; ainsi mon cœur est sans trouble, et quand le cœur est sans trouble, la peinture peut naître. Shi Tao Les propos sur la peinture du moine Citrouille Amère, chapitre 15
L’Aquarelle L’Aquarelle est pressante, et veut sans complaisance Qu’un peintre s’accommode à son impatience, La traite à sa manière, et d’un travail soudain Saisisse le moment qu’elle donne à sa main, La sévère rigueur de ce moment qui passe Aux erreurs d’un pinceau ne fait aucune grâce Avec elle, il n’est point de retour à tenter Et tout au premier coup se doit exécuter. Molière
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La galerie ECRITURES présente un ensemble d’œuvres originales de Laurent LOLMEDE du 13 décembre 2014 au 21 février 2015 Vernissage le Samedi 13 décembre à 11 h
Né en 1965, Laurent Lolmède fait des études d’art à Bordeaux et à Paris (Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs). Il travaille d’abord dans la publicité, puis se consacre entièrement à la bande dessinée et à l’illustration. Ses chroniques dont « Jour de Marché » (2009), « Brut de Carnet » (2010) et « Goudron Pavers » (2012) nous promènent dans des lieux de tous les jours où l’on croise la foule anonyme. Mais son humour décapant, son un trait acéré transforment l’anonyme en familier et le quotidien en scène burlesque … Ses dessins sont publiés dans la presse (Libération...) et l'édition.
Son dernier recueil "LE RÊVE AMÉRICAIN" Sketchbook/ Carnet de voyage, retraçant son 1er voyage aux Etats-Unis, est publié par Alain BEAULET éditeur. Lolmède présente ici, les dessins originaux du livre, ainsi qu'un ensemble de peintures, volumes et dessins.
Expositions personnelles : 2008 *Bibliothèque historique de la ville de Paris * Galerie ART et MAISONS - Figeac (Lot) *Lycée Maximilien VOX - Paris 2009 *Bibliothèque historique de la ville de Paris * Galerie ART et MAISONS - Figeac (Lot) 2010 * Rencontres du 9ème Art Aix-en-Provence. * Périscopages Rennes. * Le 104 Paris. * Salle communale Espagnac/Sainte-Eulalie (Lot). * Médiathèque Hélène BERR Paris. 2011 * PARSON SCHOOL of Art Desing Paris. * Expo:Vallée du Célé/Parfums d'intimité- Marcilhac sur Célé (Lot). * SUPER MARCHÉ DE L'ART - Toulon 2012 * Médiathèque de l'institut Français au Liban - Beyrouth (mars) * Médiathèque Faidherbe - Paris (Avril)
2013 * Portraits de Boutiques - Aix-en-Provence * Galerie Jean Ségalat - Decazeville (Aveyron) 2014 * Itinéraires graphiques / Pays de Lorient * Exposition collective - Galerie du Faouëdic * Exposition personnelle - Galerie de la Rotonde - Lanester * Galerie Oblique - Paris Biliographie sélective: * Moins X avant 2000, Alain Beaulet editeur (4 volumes) 1996-2000 * Extraits naturels de carnets, La comédie illustrée (4 volumes) 2000-2004 * Auto-psy, Humeurs, 2006 * Lolmède, Éditions Charrette, 2009 * Jour de marché, Alain Beaulet, 2009 * BRUT DE CARNET, United Dead Artists, 2010 * Brut de Basquiat, auto-édit, 2010 * Brut de Comix, United Dead Artists, 2010 * Vallée du Célé, parfums d'intimité, auto-édition, 2011 * GOUDRON PAVERS, United Dead Artists, 2012 * E.N.d.C. Spécial Decazeville, auto-édition, 2013 * Carnet d'Alger, auto-édition, 2014 * LE RÊVE AMÉRICAIN, Alain Beaulet, 2014
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José DUBOIS « CORPORESSENCE » Exposition du 7 Juin au 14 Août 2014 Galerie ECRITURES 1, rue Pierre Petit 03100 MONTLUCON « ...Le mal est propre à la victime et à la violence Au persécuté et au persécuteur, Il tire sa source du besoin et de son appétit insatiable. Plus l'homme se nourrit plus la faim augmente... » William S. Burroughs Toute oeuvre d'art porte les traces du contexte historique traversé depuis sa naissance et dans la perception elle se présente comme une carte révélée, ouverte et instable des indices. Dans l'ordre des signes plastiques et des symboles de José Dubois aucun des éléments ne peut fonctionner en tant que signe sans renvoi à un autre élément qui tout simplement n'y est pas présent. La signification n'est pas donnée simplement, elle est toujours produite en processus de l'échange d'un élément par un autre, c'est à dire par l'établissement des différences entre les éléments du discours et entre les discours eux- mêmes dans le cadre de l'espace du tableau, la langue plastique étant le jeu systématique des différences.
Une fois posée, l'idée/contenu du tableau introduit en soi toute une série de lectures diverses, dont chacune prise à part, est échangée par la redisposition des valeurs des versions diverses. La peinture de José Dubois est multiple, en même temps biographique, historique, technologique, économique, politique, poétique, théorique. Le fond de ces tableaux fait partie de notre époque: une textualité sans bords déstructure, afin de le réinscrire, le motif métaphysique du référent absolu de la chose elle-même en son instance dernière! Le panorama pictural de la réalité n'a pour l'auteur qu'une face subjective, il fait lui-même partie de l'extase collective du spectacle. Ne participant pas directement à l'événement il contrait/soutient par son regard la réalité qu'il crée. Transfert, invasion, exil, migrations massives, nostalgie, errements, agressions, régressions tout cela fait partie de l'invétère de ses tableaux qui traversent notre époque comme un train transeuropéen pictural, théoriquement politique.
Tout le travail est stimulé par l'événement, télescopé entièrement dans la dramaturgie due à l'irruption subite de l'appareil optique, qui de loin réunit et dérange le champ du tableau en faisant communiquer mutuellement les zones, qui rentrent l'une dans l'autre se rapportant toutes l'événement dont l'histoire est renforcée par le fond et l'abîme du tableau. La trace du langage, en tant que citation sémantique fragmentaire, littérale ou non, indique par sa diversité détonante du tableau sa propre histoire des déplacements/citations et elle pourrait être d'une importance décisive pour la recherche des situations expressives, primaires et radicales, manifestée au delà de la langue quotidienne et formelle, cette trace- là est régulièrement présente dans les tableaux de José Dubois.
Dans la surface bidimensionnelle de la toile, José Dubois met en mouvement des scènes et des fragments de l'instant évoqués par la texture, les nuances tonales, la sensation de la couleur blanche et des détails qui forment le fond atypique de la composition, l'auteur y introduit simultanément par des zones psychologiques accrues ses propres interventions et rentre parfois dans des effets visuels mémorisés, parfois dans des situations fuyantes tout en participant activement par son observation et son témoignage existentiel incontestable sur le mouvement circulaire du système social, mouvement dont nous sommes tous des participants. Par la blancheur dominante de certains tableaux José Dubois nous révèle sa connaissance de l'idiome du blanc, des spécificités de son chromatisme et de son optique, aussi bien que des réactions psychologiques qu’ils suscitent. Le tableau blanc naît rarement par accident et spontanément: son exclusivité et son radicalisme sont conditionnés dans le monde de la peinture surtout par des prémisses théoriques solides, autrement dit par des opérations mentales en tant que fruit de la réduction phénoménologique dans le domaine plastique qui recherche dans le minimum de la couleur blanche une expressivité égale ou maximale. La blancheur problématique du tableau -comme d'un mur blanc - suscite une réaction psychologique du retour en arrière vers soi, produit l'effet de surprise, exige un effort mental, mais aux initiés elle offre un plaisir particulier. Selon Kandinsky le mutisme du blanc, ou le son blanc n'est pas mort mais au contraire il regorge de possibilités. Nous considérons donc blanc comme la couleur de la neutralité et de l’espoir, couleur de la transition apparaissant souvent dans des rîtes d'initiation et de la re-naissance.
José DUBOIS Né en 1970 José Dubois est diplômé des Arts Appliqués d'Yzeure et des Beaux Arts de Bourges. José Dubois vit et travaille à Bourges. Il a déjà exposé dans des lieux prestigieux en France, on trouve ses oeuvres dans certaines collections publiques. José DUBOIS expose et peint depuis 1986.
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Exposition « L’horizon d’un sujet » Exposition de Bruno DANJOUX Du 7 mars au 28 mai 2014 Vernissage le samedi 22 mars à 11 h L’horizon d’un sujet Les poètes quand ils ont de la peine, au lieu de la chasser, il lui donne un titre. (F. Dard) Je ne pensais pas qu’en trouvant, sur la petite table en bois, ce mot de ma femme: « Je pars. Ici, je n’ai pas d’horizon », cela ouvrirait en moi un autre champ de perspectives
Georges Didi-Huberman dans son très beau livre sur James Turrell : « L’homme qui marchait dans la couleur » écrit : l’horizon est une arrête, un arrêt dans le visible du désert. Mais c’est en même temps une espèce de bord vivant et fantomatique, capable de brouiller notre vue et de, soudainement « se lever » pour venir nous « toucher ». A l’horizon s’élèvent aussi les mirages et même sans eux il reste le lieu par excellence où désert et désir riment visuellement. J’ai donc commencé à réfléchir sur ce qu’est l’horizon, cette ligne qui habituellement désigne cette frange entre le ciel et la terre. Je voyais bien que, ce dont elle parlait, évoquait plutôt notre désir qui était devenu une longue et large bande désertique, ou l’autre ne surgit plus, ne vient plus à la rencontre, n’a plus la faculté de recréer le lieu de toutes les perspectives. Mais elle évoquait également ce dégagement nécessaire pour dégager la vue, lui permettre de se perdre, s’évader, s’échapper
J’ai pris mon carnet de croquis celui au format 42 x 29.7 et j’ai dessiné, dans une sorte de désœuvrement, quelques recoins de mon parc : le muret du potager, le bassin aux nénuphars, le paillis au pied des tomates, les étendus de fraisiers, l’érable avec ses feuilles dentelées (acer palmatum dissectum)… J’ai retranscrit ces impressions sur des formats carrés peut-être pour contrer des horizontalités. Il s’est dessiné alors un espace sans fin. Peu à peu ces « extraits » de parc sont devenus des marges du monde, des béances, des lieux de mémoire et d’arrière pays, des lieux où toute tentative de fuite est illusoire. L’horizon d’un sujet c’est cette question de la terre et de la lumière, des origines, du legs que l’on reçoit lorsqu’on nait en un lieu, un paysage, un horizon, un espace matriciel. L’horizon d’un sujet c’est aussi la ligne qui nous sépare de ceux qui nous ont précédés. C’est aussi vers quoi nous nous dirigeons, cet horizon vide, « pré natal » cet horizon de pure réceptivité que je ne peux anticiper par aucun à priori. Le lieu de l’être perdu. Je ne pensais pas qu’à chercher des lignes d’horizon, j’y trouverai des constellations.
Notes d’atelier Le développement de mon propre travail est extrêmement lié à mon métier de danseur et plus particulièrement à sa pédagogie. Très tôt, sans en connaître exactement le fondement, si ce n’est par pur plaisir, j’ai lié l’enseignement de la danse à des pratiques faisant intervenir les arts plastiques. Je travaillais au départ dans un rapport plutôt basique c’est à dire dans une optique de va et vient entre garder une trace et danser un signe. J’avais souvent en tête un peintre, un photographe ou un sculpteur. Je lisais des ouvrages le concernant. J’essayais de tirer des principes, des lignes conductrices qui allaient me servir dans l’élaboration de mes séances. Le passage des arts plastiques au mouvement et inversement était pour moi d’une grande richesse. J’étais fasciné par la variété des réponses, par le fabuleux support que pouvaient représenter les arts plastiques pour le mouvement et réciproquement. Je me suis mis à expérimenter de plus en plus de situations afin d’affiner et de varier mes propositions pédagogiques. Les questionnements inhérents aux arts plastiques me renvoyaient sans cesse à mes préoccupations de danseur. Tout s’interrogeait, se questionnait, se répondait. Je sentais la richesse de cette nouvelle pratique et, à la fois, mon manque dans ce domaine. Finalement, loin de me débarrasser de mes préoccupations pédagogiques, je me suis mis à pousser plus loin mes propres expériences, à approfondir mes connaissances, à éprouver de plus en plus de plaisir, à sentir comme une nécessité. Aujourd’hui, c’est devenu une pratique à part entière. Je travaille souvent à l’extérieur, hors de l’atelier, ce qui fait que les travaux sont généralement de petit format, sur du papier que je récupère et que je prépare avec de la colle de peau. Bien que peu pratique vu la lenteur du séchage, je travaille essentiellement à l’huile. J’aime avant tout son odeur et puis son gras qui sans doute, pour moi est proche d’un liquide synovial. J’aime préparer mes couleurs comme on prépare un corps avant qu’il entre en scène. J’aime envisager mon support comme un espace d’improvisation, un lieu pour recueillir de l’imprévu. Le plus souvent je prends un «focus » c’est à dire un point où se fixe mon attention. J’aime le changer le plus souvent possible où mieux qu’il me soit imposé. Parfois je travaille avec un «modèle » c’est à dire une personne qui aime le mouvement. Je nous fixe alors un thème d’improvisation. Nous avons le même. Parfois c’est le modèle qui le choisit. J’aime aussi me glisser dans les studios ou dans des lieux de répétition. J’utilise les informations qui se disent pour me fixer des axes de travail, des sujets d’improvisation. Dans l’atelier, je travaille plutôt sur l’intime. Je me prête plus volontiers à ce mouvement plus interne, moins visible pour les yeux, qui oscille de la mémoire à l’oubli. Juin 2000 Je danse et j’ai souvent des tableaux en référence. Ils viennent s’afficher comme ça, dans le musée derrière des yeux. Tantôt une couleur, une thébaïde, un triptyque, tantôt une coulure, un trait, un éclat… Sans être convoquées, ces présences sont pour moi mes volumes porteurs. Août 2003
Quand je ferme les yeux, mon corps se tourne vers une autre présence. Je sens les vides articulaires, l’huile se répandre à l’intérieur, lentement, graissant ainsi les mécanismes de ce retournement. Dans cet état épais, rond, perméable et poreux, c’est le geste qui respire et le trait aussi. J’allège, j’affûte, j’appuie, je procède par effacement, par apnée. Je suis matière, violence, calme et nuance bercé par une musicalité qui désencombre les détails. J’absorbe la lumière des images, j’ouvre à ce que mon corps traverse, j’attends qu’un espace me regarde… Juin 2006 Je joue de la représentation. Je la provoque, me l’impose. Je mets en place un enjeu pour trouver l’état qui va me pousser dans la fragilité du faire. Jeu et enjeu. Juillet 2006 La danse et la peinture ne me sont ni un savoir, ni un regard. Elles me sont un lâcher prise, celle du jugement et de la maîtrise. Evasion de la concentration ce qui ne veut pas dire évasive. Elles me demandent le rythme, l’engagement, la mémoire, l’oubli, la jubilation du déplacement d’un espace et d’un temps. Je tente de les garder en mémoires organiques, ouvertes, non pas anticipées mais pré-senties, en saveurs de l’instant, mystérieuses, secrètes, en désirs, en chemins, et surtout et essentiellement en nourritures. Quand je peins, je rentre en peinture-dans les ordres du silence et du retrait- et à la fois dans l’unité de mes contraires c’est à dire dans la tentative d’accord entre le temps de l’œuvre et sa nécessaire fulgurance, entre le spectacle de l’art et sa religiosité. Septembre 2006 L’art est à la fois ce qui m’ouvre et ce qui me retire. L’évènement est encore présent mais j’ai le sentiment qu’il me laisse une absence dont il me faut le plus précisément possible trouver comment la précipiter d’où cette impression omniprésente d’auréoler la perte. Précipitation par l’urgence, la ruine, la chute mais également par les processus de transformation, par l’action d’en faire quelque chose qui touche l’élévation. L’absence est ce qui me pousse à œuvrer. Septembre 2006 Peindre est précédé par un autre état convoquant des mémoires, des yeux intérieurs, des paysages en demeures, des disponibilité de surface… état qui est déjà de l'être-à-l’œuvre. Septembre 2006
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Gérard Guyomard, artiste peintre né en 1936. Gérard Guyomard est l’un des acteurs, peut-être les moins connus, du mouvement de la Figuration narrative (Jacques Monory, Peter Klasen, Erro, Télémaque, Rancillac, etc.) Si ses comparses peintres se sont beaucoup engagés dans des combats politiques au cours des années 1960-1970, Gérard Guyomard a, quant à lui, mené sa révolte à travers une peinture à haute teneur érotique et grivoise, son amitié avec Georges Pérec n’est pas innocente. Citant aussi bien Paul Klee que les Tontons Flingueurs, Jérôme Bosch que le mouvement punk, cet artiste à tendance anarchiste, s’avère un formidable brasseur et mixeur d’images et de techniques. Dans une palette souvent vive, ses lignes sinuent entre plusieurs formes, passent de l’intérieur à l’extérieur, d’un motif à l’autre, sens dessus dessous, sans hiérarchie ni fin… Des œuvres allègres et réjouissantes.
Les années 60 ont été le socle sur lequel s’est élaborée la peinture de Gérard Guyomard, dont la carrière a démarré en 1964. Les œuvres de cette période sont imprégnées de couleurs, de formes qui rappellent « Yellow Submarine », le dessin animé des Beatles, ou « Pravda la survireuse », la bande dessinée de Guy Peellaert. Ces liens formels illustrent les années Pop ou « psychédéliques » et le travail même de Guyomard qui s’inspire - déjà - de photographies extraites de magazines. On peut également rapprocher la création de Gérard Guyomard des productions du mouvement du Pop Art américain. Dans une toile de 1968, « Brian Jones et Mick Jagger », Guyomard ne peint-il pas, à sa façon, les icônes rock de l’époque comme Andy Wahrol sérigraphie Elvis ou Marylin ? Si le peintre reconnaît avoir emprunté au Pop Art américain, c’est davantage à Roy Liechtenstein, célèbre pour ses peintures-agrandissement de cases de bandes dessinées. « De Liechtenstein, que j’aimais beaucoup, j’ai retenu le trait et l’aplat, l’aspect linéaire. Bien sûr, il existe une passerelle entre mon travail et le sien, du fait de la récupération d’images de magazines, de programmes télévisés ou de journaux. Le Pop Art a beaucoup utilisé la société de consommation, mais de notre côté, en Europe, notre peinture a toujours été beaucoup plus en rapport avec la culture. Nous nous sommes beaucoup inspirés des anciens. » Guyomard fait sans doute référence à Henri Matisse, dont on peut reconnaître le trait et quelques nus féminins dans une toile comme « Eclair » (1965).
Des graffitis avec des dessins humoristiques Paul Klee, peintre poète suisse, compte également parmi les influences de Guyomard qui « comme [lui], est un visionnaire et non un surréaliste (...). Observons par exemple, [de Klee], Analyse des diverses perversités (1922) et, [de Guyomard], Moumoune (1964). J’ignore (...) si Guyomard s’est réellement inspiré des modulations roses et mauves dans l’arrière-plan de l’aquarelle du professeur au Bauhaus pour peindre le fond de dégradés allant subtilement du blanc cassé au rose de son propre tableau, mais comment ne pas s’émerveiller de la parenté des états d’esprit des deux créateurs ? », constate Jean-Luc Chalumeau dans une monographie consacrée à Gérard Guyomard. De telles influences rendent définitivement impossible le classement de l’artiste dans la « case » Pop Art. Supporte-t-il l’appellation « Figuration narrative », inventée par le critique d’art Gérald Gassiot-Talabot, et qui réunit des peintres tels que Bernard Rancillac, Hervé Télémaque, Peter Klasen ? « Mais nous n’avons jamais eu de manifeste, comme en avaient un les “Nouveaux Réalistes”. Notre travail était en réaction au mouvement abstrait, prédominant dans les années 60. Certains avaient une peinture politique, d’autres une peinture mécanique. Moi, de 1964 à 1972, j’ai fait des graffitis avec des dessins humoristiques tirés de journaux », rappelle l’artiste.
En 1973, Gérard Guyomard fait volte-face et change à nouveau de voie ; il prend des risques, remet sa peinture en question. « J’ai voulu retrouver la peinture abstraite à partir de la figuration, en faisant des peintures fonctionnant par superpositions, utilisant les arabesques que créent des personnages en mouvement. » Cette nouvelle période dure jusqu’en 1988. Le recours au numérique « Je suis un additif », affirme le peintre, toujours en quête de matière existante pour composer ses toiles. Il utilise depuis 1985 une technique héritée de son expérience de restaurateur de tableaux au Musée du Louvre, qui lui permet de transposer fidèlement, selon Jean-Luc Chalumeau, « n’importe quel élément (...) susceptible de nourrir la composition ; découpages pris dans des magazines, photographies, morceaux de tableaux anciens, dessins etc. ». Le développement des techniques numériques lui permet d’élargir sa palette d’images : « Je peux passer des nuits entières à prendre des photos de la télévision. » Gérard Guyomard et son œuvre demeurent insaisissables. Toutefois, il est possible de déceler des constantes comme l’indépendance, la recherche permanente, l’écoute du monde qui l’entoure, et bien sûr l’omniprésence de la narration.
Gérard Guyomard est dans une forme pétaradante, son rire toujours plus hénaurme, ses toiles formidablement d'actualité à un moment où, comme jamais, le trop d'info est en voie de complètement détruire l'info, en effet. Guyomard n'a décidément pas son pareil pour capter l'air du temps : il n’y a qu’à voir ses séries « Au-delà de cette limite votre vision n'est plus valable » (1984), « La stratégie de l'atelier » (1989), « N’importe quoi tout à fait» (1991), Je vais te dire (1999), « Aloteou » (2003) etc. etc. Pour gaver cette dernière d'images nouvelles, Guyomard était devenu un lecteur assidu de Femina, Gala et du catalogue des Trois Suisses. C'est grâce à cela que nous avions pu voir une femme en soutien-gorge noir, un portrait de blonde maquillée, une voiture et un équipement de bureau complet, sans oublier le chien Pluto, plutôt venu de l'enfance du peintre que des œuvres de Walt Disney. Des cadres s'emboîtaient verticalement et horizontalement, de larges plages de couleur vive (mauve, orangée, verte, rouge) vibraient intensément... Aujourd’hui c’est toujours la même chose mais en plus fort, plus fou, plus saturé. Rassurez-vous, l'artiste y retrouve ses petits, c'est l'essentiel. Il s'agit, selon ses mots, comme hier, « d'ensembles superposés où tout se devine, - rien n'est dit - la couleur explose à haute dose - l'œil cherche longtemps et patiemment où aboutissent les lignes, elles divergent, convergent et se perdent : la lecture est à reprendre. » Avec Guyomard, en 2003 comme aujourd'hui, la lecture est toujours à reprendre. Les tableaux de Gérard Guyomard racontent peut-être des histoires. Mais alors ce ne sont pas des récits. Une page de Burroughs est-elle un récit ? » Un tableau de Guyomard se reconnaît à plusieurs kilomètres de distance. S’il observe les passants sortir d’une bouche de métro, il superpose sur son dessin toutes les silhouettes et ne supprime rien. Ce qui, pour des gens d’images photographiques ou cinématographiques, s’appellerait rémanence devient pour le peintre le moyen de donner à sa peinture l’épaisseur de la mémoire et le souvenir du mouvement. Mais le réel que capte Gérard GUYOMARD est également celui de son monde intérieur projeté sur le tableau. Et la toile du peintre, avec ces deux approches du réel, devient, comme pour le photographe, la surface sensible sur laquelle ces images intérieures ou extérieures viennent s’imprimer, fantômes piégés par le peintre dans un séduisant arrêt sur image
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Exposition de planches originales de la BD "BRAISE" Dessin de Cédric FORTIER, Scénario de Bertrand BOUTON et Cédric FORTIER Un conte fantastique envoûtant qui se construit autour de l’image de la maman. TOME 1 « Maman vous aime » Braise, un chat mystérieux, invite des orphelins dans un univers où dansent jouets et sucreries, avec en prime la promesse d'une tendre Maman : bien trop beau pour ne rien cacher. Un conte sombre et efficace. L'histoire : Janus et Prune, frère et sœur, vivent dans la rue : ils chapardent leur nourriture quotidienne, se jouent des bourgeois en les raillant ou les humiliant, mais goûtent un bonheur qu’ils ne céderaient pour rien. Pourtant, un jour, en portant secours à Prune qui courait imprudemment après un chaton, Janus est violement heurté par une diligence. Le résultat est sans appel : Janus est aveugle à jamais. Recueillis dans un orphelinat, les deux enfants s’adaptent tant bien que mal à cette vie en communauté. Un soir, tous sont attirés par une étrange musique qui traverse les murs du dortoir. Très rapidement, ils en comprennent l’origine : c’est un chat bavard qui fait raisonner du son d’une cornemuse cette douce mélodie. Mais le matou n’en reste pas là. Il propose en effet aux enfants de les conduire vers un royaume secret et merveilleux : un endroit « suprafantasmallégorique » sur lequel règne une reine magnifique prête à devenir leur Maman. De fait, les enfants ne tardent à se retrouver dans un lieu magique, rempli de succulents gâteaux, de délicieux breuvages et nombreuses sucreries. Peu effrayés par les quelques monstres de foires qui animent ce pays de cocagne, les enfants semblent conquis : seule la petite Prune ne partage pas l’enthousiasme du reste de la communauté. Qui est, et que veut, réellement cette Reine ? TOME 2 « Enfants indignes » Prune et Janus ne sont pas tombés dans les filets de Braise et de l'étrange reine. Pour autant, pas facile de quitter l'angoissant pays. Le destin met alors Martial et sa bande sur leur chemin. Toujours aussi sombre et convaincant. L'histoire : Braise dirigeait un cirque. Poigne de fer et œil sur le tiroir caisse étaient son quotidien. Au point d’ailleurs de négliger sa petite fille Dorothée… Et puis, il y a eu cet orage. Emportée par un torrent de pluie, la caravane a plongé dans le ravin. Dorothée et Patate, le fils de Teigne, sains et saufs, ont trouvé l’entrée d’une grotte. Ils se sont approchés d’une rivière au ton vert émeraude envoutant… et se sont laissé happer. Les membres de la troupe plongent à leur tour pour récupérer les gamins. Trop tard pour la petite, tombée entre les mains d’une étrange reine. L’expérience n’est d’ailleurs pas sans effet pour les autres, puisque tous ceux qui ont été en contact avec la rivière ont subi quelques métamorphoses. Par exemple, Braise est devenu un chat de couleur bleu-nuit. Un félin qui, pour espérer retrouver sa fille, doit fournir régulièrement à cette « douce » reine un contingent de bambins. Aussi, muni d’une sorte de cornemuse, il écume les orphelinats de la ville à la nuit tombée. Aux gamins, il promet monts et merveilles, jeux et sucreries, mais surtout amour d’une gentille maman. Prune et son grand frère Janus, frappé de cécité à la suite d’un accident, tombent eux aussi dans le panneau. Braise les embobine, leur fait goûter les mets promis, les jeux contés. Mais Prune sent rapidement qu’il y a entourloupe et à la nuit tombée, elle explore le pays de cocagne pour découvrir l’envers du décor : une zone faite d’immondices ; l’exploitation des enfants plus âgés et surtout : ils doivent servir de repas à leur soi-disant Maman. Pas question de se laisser faire. Et comme pour lui prouver qu’elle a raison, le hasard lui fait rencontrer Martial et sa bande qui, eux aussi, ont réussi à échapper au projet du matou... TOME 3 « Papa n’est pas là » Dernier round pour que la lutte engagée entre Prune, ses compagnons et cette maudite Reine, prenne fin. Et s’il suffisait d’un Prince pour les mettre d’accord ? Dernier volet d’une trilogie à l’univers joliment ciselé. L'histoire : Prune, son grand frère Janus et une ribambelle de gamins de l’orphelinat, se sont retrouvés embarqués par Braise, un curieux matou dans un univers étrange. Ce lieu est une fête foraine permanente dans lequel on peut se gaver de sucreries et jouer toute la journée. Cet endroit merveilleux abrite également une tendre et douce Maman prête à aimer pour toujours tous « ses » enfants. Pourtant, rapidement, Prune s’aperçoit que tout cloche. En particulier que tout n’est que viles manigances pour que la Reine de ce curieux royaume puisse manger un à un tous les gamins. La lutte s’engage alors entre Prune, quelques autres survivants et Braise, le bon lieutenant – malgré lui – de la Reine. Pourquoi donc a-t-elle indéfiniment besoin de manger les enfants de la ville ? N’y aurait-il pas un moyen pour la faire revenir à la raison et rompre ce terrible maléfice ? Comment en est-elle arrivée là ? Souvenez-vous, alors, de cette petite fille et de ce petit garçon jouant au bord de l’eau. Rappelez-vous leur complicité. Regardez le Roi, le père du gamin, leur interdire de s’aimer. Et puis, plus tard, organiser d’autres épousailles quand bien même le ventre rond de la belle jeune femme était un précieux témoin. Ecoutez les cris, les pleurs et laissez faire l’irrévocable. Vous comprendrez…
pour tout public, adultes et enfants, Exposition de planches originales de la BD "BRAISE" Dessin de Cédric FORTIER, Scénario de Bertrand BOUTON et Cédric FORTIER
Planches dessinées TOME 1 « Maman vous aime » Braise, un chat mystérieux, invite des orphelins dans un univers où dansent jouets et sucreries, avec en prime la promesse d'une tendre Maman : bien trop beau pour ne rien cacher. Un conte sombre et efficace.
TOME 2 « Enfants indignes » Prune et Janus ne sont pas tombés dans les filets de Braise et de l'étrange reine. Pour autant, pas facile de quitter l'angoissant pays. Le destin met alors Martial et sa bande sur leur chemin. Toujours aussi sombre et convaincant.
TOME 3 « Papa n’est pas là » Dernier round pour que la lutte engagée entre Prune, ses compagnons et cette maudite Reine, prenne fin. Et s’il suffisait d’un Prince pour les mettre d’accord ? Dernier volet d’une trilogie à l’univers joliment ciselé.
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Jusqu’au 14 septembre, la galerie ECRITURES a accroché sur ses cimaises les œuvres des peintres en permanence dans la galerie : CINQUIN, Roland COGNET, Bruno DANJOUX, José DUBOIS, ESTAQUE, FISSORE, GUERRERO, Pierre LAFOUCRIERE, Guy MADEVERY, Pierre MARCHAND, Claire MOREAU, Rémy PASTOR
CINQUIN Jacques Cinquin, né le 1er octobre 1942 à Paris. Diplômé de l'école nationale supérieure des arts appliqués de Paris(1964). Créateur de tapis chez France tapis-Paris, puis maquettiste chez Métro Bus Publicité-Paris. Passionné par la tapisserie, Cinquin effectue ses premiers voyages à Aubusson en faisant un stage à l'école nationale d'art décoratif, dirigée par Michel Tourlière. Il rencontre le peintre Françoise Lardeau qu'il épouse en 1967. En 1968 et 1969 aux Etats-Unis (New York) Cinquin collabore avec des peintres américains à la mise au point d'une trentaine de tapisseries monumentales. Retour à Aubusson en 1970 où il s'installe définitivement. II devient professeur à l'école nationale d'art décoratif où il dirige l'atelier d'art mural. A partir de ce moment, il participe avec Françoise Lardeau-Cinquin à toutes les recherches concernant la tapisserie. Passionné de cirque, il devient un fidèle du festival international du cirque de Monte-Carlo dont il s'inspire depuis 1981 pour ses nombreux dessins, peintures et tapisseries, sur ce monde qu'il affectionne particulièrement...et qui le lui rend bien. Roland COGNET Roland COGNET vit en Auvergne, au pied de la chaîne des Puys, et enseigne à l’école supérieure d’art de Clermont Métropole. Au début des années 1980, l’artiste formule un enjeu, catalyser dans un même corps sculptural les quatre essences fondamentales : le minéral, le végétal, l’animal et l’humain. Il y parvient avec la savante complicité de ses mains, et si l’oeuvre au cours de son trajet s’ouvre à de nouveaux registres, sa feuille de route ne changera pas. L’artiste se positionne dans une filiation historique à la sculpture concrète américaine et française : Mark Di Suvero, Tony Grand, Robert Morris, Bruce Nauman, Martin Puryear ; et tient en affection des personnalités tels Michael Fried ou Etienne Martin,qu’il a bien connus. En 1992, le FRAC Auvergne fait l’acquisition de deux sculptures, puis d’une troisième en 2002. En 1995, Dominique Marchès organise une exposition personnelle de l'artiste au centre d’art contemporain de Vassivière en Limousin où il produira la sculpture « Moulage » dans le Parc de sculptures. En 2003, Anthony Caro l’invite au Triangle Artists’Workshop et il réalise un ensemble de travaux à Pine Plains, à New York. Par la suite, la collection Philip I. Bermen à Philadelphie acquiert quatre œuvres d’importance. En 2004 le musée d’art Roger Quilliot à Clermont-Ferrand lui consacre une exposition. La technique employée comme pensée déployée Une matière temps à sculpter Il y a bien du cogito dans la technique gestuelle, une révélation ressentie par Roland Cognet encore enfant dans l’atelier paternel : la technique employée est une pensée déployée. Ce leitmotiv, appliqué à des résultats formels, à bien y regarder oriente un axe exigeant de la sculpture contemporaine. L’oeuvre poursuit une ambition qui n’a rien de simple et qui oblige à ruser, tel un animal s’engageant sur des rondins de bois : s’affronter directement, audacieusement, autant à la création magistrale de la nature qu’à la nature de matériaux constituant le temps, matière insculptable qui trouve ainsi condition à être sculptée dans la matière temps. Ce seront des troncs d’arbres imposants, équarris ou entiers, des blocs monolithiques, des blocs hybrides, des matières chaudes et ligneuses de chênaie, de frênaie, de pinède ou de sapinière, la pierre volcanique de la région, le granit dur et froid de tous les pays, le métal d’acier sévère, l’inox, le zinc, le bronze, le plomb. Chaque pièce, chaque série innove dans sa méthode de travail, associant s’il le faut des modelages de matières indurées : ciment, plâtre, résine. La sculpture s’affirme alors posturale, fortifiant l’espace intérieur, se mesurant au paysage, indexant ses valeurs ou le glorifiant. Et si la chose est périssable comme le bois, l’artiste s’adresse à elle par le verbe du geste : caparaçonner, protéger, mouler, soutenir, peindre, prolonger, creuser, soigner, et cautériser même. Et si le défi semble impossible à relever, un portique tuteur va tirer la masse vers le haut. La Galerie présente des bois gravés de toute beauté
Bruno DANJOUX Cet artiste originaire des Cévennes tente au cours de ses expériences de réaliser la synthèse que l’on croyait impossible entre les arts dynamiques et les arts plastiques : la peinture et la danse. On ne peut dire, tant les deux s’interpénètrent dans la recherche de Danjoux, s’il s’agit de peindre la danse ou de danser la peinture. Sous une apparente diversité, c’est un projet extrêmement cohérent qui conduit sa recherche. Travaillant sur le livre Les Montagnes du soir, de Lionel Bourg, il arpente les paysages des Cévennes et tente de transcrire sous forme de petits tableaux les impressions qu’il en retire, puis il fait traduire le livre en braille et propose à des non voyants des lectures à voix basse pendant lesquelles il improvise une chorégraphie. Il créera ainsi la Nuit des corps, une chorégraphie pour quatre malvoyances. José DUBOIS Né en 1970 José Dubois est diplômé des Arts Appliqués d'Yzeure et des Beaux Arts de Bourges. José Dubois vit et travaille à Bourges. Il a déjà exposé dans des lieux prestigieux en France, on trouve ses oeuvres dans certaines collections publiques. José DUBOIS expose et peint depuis 1986. ESTAQUE Né le 3 janvier 1945 à Saint Girons (Ariège). Peintre et sculpteur français autodidacte. Travaille en Creuse. Débute la sculpture à la fin des années 60 par un travail fortement imprégné de l’Art roman. Très vite il s’oriente vers la sculpture polychrome. Son inspiration est alors riche et variée : - Scènes de la vie quotidienne - Allégories poétiques - Dédoublement de la personnalité par l’alternance des bouches et des yeux. - Reliquaires. - Bois assemblés - Sculptures jeux... Son oeuvre sculptée est indissociable de ses recherches graphiques. Dessins, peintures, gravures et papiers découpés ou déchirés permettent à son imaginaire une grande liberté de création sans pour autant perdre de sa puissance évocatrice. Sa démarche est basée sur la créativité, la recherche et l’expérimentation. Son travail se présente sous la forme de reliefs, bas-reliefs, sculptures. Ses matériaux de prédilection sont le bois, le carton, la pierre. Le contenu est un retour aux choses simples, faussement naïves ou primaires, sa technique puise ses sources avec application vers la gestuelle de l’artisan, de l’ouvrier qui taille, découpe, sculpte et assemble. Sa démarche intellectuelle, dirigée par une approche dictée par la forme où la chromatique, amène la réflexion vers des éléments essentiels de notre vie, de notre culture, de notre civilisation. Elle est établie par cycles thématiques ou concepts, elle aborde aussi bien l’actualité, la pensée, l’engagement individuel que la poésie et les références à l’histoire, à l’art, à ses techniques de base, à son devenir. Inclassable parce que instable dans sa création continuellement renouvelée depuis qu’il a touché au crayon, noir, à papier, de couleurs, à la plume, à l’encre, au pinceau, à la peinture, aux ciseaux à papier, au papier, au carton, à l’eau, au vin, au vinyle, au bois, au charbon, au bois, coupé des lauriers, déchiré des papiers, du tissu, tranché du bois, arraché les racines, taillé des copeaux, au ciseau, au fermoir, à la gouge, à la hache, avec les dents. Avec et sans gants, à la pointe et au marteau, ficelé les deux bouts, collé, plié, déchiré, gravé, encré, tiré, retiré, pressé, pas encré, relié, recouvert, découvert, aligné, trié des galets, rangé, posé, scellé, cimenté, c’est assez énuméré pour aujourd’hui
FISSORE Le peintre de la douceur en couleurs. Comment mettre des mots sur l’œuvre de Philippe Fissore sans parler de soi quand l’artiste se met à nu, sans se dévêtir pudiquement quand l’artiste enveloppe le contemplateur d’un trait si sensuel? Edward Hopper me susurre que "Si on pouvait le dire avec des mots, il n'y aurait aucune raison de le peindre", il détient sans aucun doute une des nuances de la palette oxymorique de Philippe. Je poursuis pourtant mon questionnement tout en pressentant que si les traits du Maître de la douceur en couleurs m’emmènent lentement sur les lignes courbes du pourquoi, il n’y aura pas de parce que… Les tableaux de Philippe me parlent de moi tout en me conduisant à l’oubli de moi-même, ses femmes portent parfois des masques et font tomber les miens, il m’ouvre sur mon paysage intérieur…je crois comprendre puis le sens m’échappe. Je m’assois, pour faire une pause dans un monde qui va trop vite, entourée de son œuvre prolifique, je me coupe du monde pour mieux me retrouver. Je me laisse happer par le mouvement de son pinceau, je suis dans le tableau, ravie au sens littéral. Je suis la femme sphinge qui dandine ses leurres sans malice aucune, qui les offre aux spectateurs car dans l’acte de donner, il y a toujours celui de recevoir. Je suis Danaé, je suis Odalisque, je suis chat, je suis comédienne, je suis mère, amante, maîtresse conquise qui n’offre plus l’intérêt des jeux de l’amour et de la séduction. J’abdique, puis, je refais mon apparition, lorsqu’on m’attend le moins, pour murmurer aux amoureux d’Art que je n’ai pas livré tous mes joyaux cachés et que je peux encore leur en conter. Je deviens femme, pur corps, pur esprit. Je deviens la peinture du peintre, protéiforme, cercle et cube à la fois. Je deviens femme paysage, déconstruite pas le kaléidoscope de la subjectivité de l’artiste et réunifiée par ses retouches multiples, toutes mes facettes ont été adoucies par son pinceau amoureux. Je vous offre mes formes, dévoile mon mont Vénus, mes seins sont les sommets bombés des montagnes émoussées, des volcans convexes, je pars en voyage, mais je reviens toujours, je suis le cercle de l’Eternel Retour, j’oublie le temps qui devient rond et l’espace qui devient courbe. Mais je suis aussi pied, celui qui m’élève et m’ancre dans la réalité. Je suis le regard poignant de l’Elégante, incomprise puis rassurée car l’œil du peintre a bien capté le contraste entre ma réserve et ma séduction. Je me reconnais à travers lui : il m’a révélé une partie de moi que j’ignorais. J’ai l’étrange sentiment d’avoir assis ma solitude à côté de celle du peintre qui a patiemment rassemblé mon être éclaté. Je me sens apaisée, singulière et universelle, une femme qui a un corps, une femme qui pense aussi. La peinture de Philippe Fissore parle des femmes…aux Hommes, elle est une médiatrice, elle m’offre « quelque chose de simple, quelque chose de beau, quelque chose d’utile » comme l’écrit si bien Prévert…, elle répond à mes rêves. La boucle est bouclée, la peinture de Philippe ne s’explique pas, elle se ressent, elle se rêve… Texte de Catherine Faure. GUERRERO Il a choisi pour nom d'artiste la région où il est né au Mexique mais où il n'a pas vécu. Adopté à l'âge de trois mois, Vincent Lorin, 19 ans, étudie les Beaux-Arts à Dijon. Chez lui, la question des origines se résout dans la peinture. « J'écris le tableau », par Guerrero. « Le dessin, pour moi, est devenu rapidement une évidence. Un besoin d'expression. Peut être sous estimé trop longtemps. Sous estimé la capacité d'expression et d'intimité qu'il pouvait avoir. Sous estimé peut être aussi comme médium de communication vers le monde extérieur. La peinture m'avait relativement laissé indifférent. Sûrement à cause de mauvais souvenirs à l'école primaire. Puis un jour, une curiosité qui se fait ressentir. A la suite d'une exposition de peinture dans un centre d'art contemporain, les couleurs appliquées de manières intrigantes sur les toiles m'étonnent. La peinture prend une autre dimension. Ce n'est pas une simple histoire de rouge ou de bleu et de vert, mais d'intensité. L'âme de la création est bien présente. Pas forcément de manière implicite (heureusement). Elle imprègne et contrôle la surface qui la soutient mais aussi le spectateur. Je suis pris dans un filet. Suis-je ensorcelé ? Ce n'est pas non plus une question de beauté ni de laideur. C'est de l'émerveillement. Je suis émerveillé en permanence. »
Pierre LAFOUCRIERE Né en 1927 à Louroux-de-Bouble (03), Pierre Lafoucrière vit et travaille à Meudon et dans l’Allier. Parti de la figuration, son itinéraire l’a mené d’une peinture aux couleurs fortes et riches à une vision transcendée de la nature, à la fois raffinée et plus écrite. Deux rencontres ont profondément marqué sa vie de peintre : Paul Gay dans les années 50, Nane Stern en 1974. A partir de 1953, ses oeuvres sont montrées en France et à l’étranger : Allemagne, Algérie, Canada, Danemark, Indonésie, Israël, Japon, Maroc, Nouvelle-Zélande, Suède, Suisse… L’oeuvre de Pierre Lafoucrière dont la peinture heureuse puise ses arguments dans la lumière et les débats de la couleur, le prouve à l’envi. On pourrait, à bon droit, parler d’abstraction lyrique à son propos. Ce serait trop vite dit. On devine en effet dans ses compositions alertes une telle gourmandise de la matière, fût-elle de l’énigme et de l’émotion, c’est-à-dire d’un second degré du réel, qu’elles n’ont pu naître, on le sent bien, que d’un commerce amoureux avec le concret du monde. Lumière, mouvement, couleurs - or et bleu surtout - sont les instruments primordiaux d’une quête spirituelle qui scrute les formes et leurs mystères à l’état naissant. Perpétuelle genèse, oui, que ces ruptures et déploiements tracés sur la toile ou plutôt captés dans la transparence. Il y a là une telle légèreté du geste alliée à une si juste maîtrise - celle du maître-verrier - qu’on reste confondu, comme devant un ciel de Turner, face à l’apparition des secrètes nuances de la vie. Familier de l’oeuvre des poètes que souvent il accompagne et enlumine, animé comme eux de la fiévreuse quête qui tente l’incertain et l’indistinct, ce peintre-ci est naturellement tout appliqué aux rythmes, aux assonances, aux variations mélodiques. On dirait toujours qu’apparaît sous nos yeux la matière claire et fragile d’un poème. Depuis quelques années, Lafoucrière paraît être entré dans une perspective poétique dictée par une appréhension moins baroque, à la fois plus raffinée et plus écrite, de l’espace et du signe vital. Cette vision transcendée de la nature doit à la lumière une part de sa très attachante qualité. Parallèlement à la peinture, il se consacre à des réalisations murales dans le domaine de l’art sacré. Ami des poètes, il a illustré certaines éditions originales de JM Barnaud, A. Borne, L. Dallant, H. Kréa, J.F. Manier Guy MADEVERY Guy MADEVERY est né à Montluçon en 1949, autodidacte et très tôt intéressé par le dessin et les couleurs, ce besoin se transforme très vite en passion qui deviendra une vocation. Les compositions de Cézanne l’amènent à la découverte de Kandinsky jusqu’à l’œuvre des champs colorés de Rothko. Un travail incessant lui permet de se libérer de cette fascination pour orienter son travail sur la symbolique du carré et de la dématérialisation du cube vers une autre considération interprétation de l’espace. Proche de Kasimir Malevitch par ses formes géométriques, de Kandinsky pour la couleur ou Miro, ce peintre, dessinateur, sculpteur, installé dans le sud de la France nous enchante dans ses recherches et évolutions, toile de jute, encre de chine et acrylique, superbes matières pour ses inspirations aux résultats magnifiques. Matériaux employés : toile de jute, encre de chine et acrylique Pierre MARCHAND Né à Paris en 1960, Pierre Marchand tient de son père, menuisier-charron, son amour pour le travail du bois. Grâce à une formation très poussée en ébénisterie, il va acquérir un savoir-faire qui lui permet, dans les années 80, d’aborder en autodidacte une carrière artistique. Sa pratique commence donc tout naturellement par la sculpture. Ce n’est que dix ans plus tard qu’il abordera la peinture. L’œuvre de Pierre Marchand est inspirée principalement par la nature et les questionnements qu’elle fait naître chez l’homme d’aujourd’hui, qui en est de plus en plus dépossédé. Il se refuse dans sa sculpture à utiliser du bois exotique. Son choix se porte sur les espèces locales, sans jamais sacrifier un arbre : son matériau sera du bois tombé, sauvé du coup de la destruction, et porteur d’un message par sa réincarnation en objet artistique. Le travail de création devient ainsi le symbole d’une sorte de réconciliation entre l’homme et son milieu naturel : un pas vers la sagesse. Claire MOREAU Née à Paris en 1951. « Regardez, Les touchent vibrent dans l’air gris ou bleu, c’est de la peinture, subtile, raffinée, à fleur de toile, un tissu presque arachnéen de signes sensibles. Approchez-vous, ces signes sont des lettres qui elles-mêmes sont des phrases, une écriture se dessine, se déroule. D’un pinceau agile et transparent comme une aile de papillon, Claire Moreau, à petits gestes précis et lents, l’œil vif aux aguets, se saisit d’un texte – la Genèse, l’Apocalypse, la règle de Saint-Benoît, les épitres de Saint-Paul …, et en suit le tracé, le déchiffre, le désosse, le réécrit, lui donne un autre contour, une autre lumière. A partir de la lettre qui est son vrai support, son écorce, elle cherche un rythme, mêle selon le texte sur lequel elle se concentre, le français, le latin, le grec, le cyrillique, le braille même, et le prodige s’accomplit. L’huile, l’aquarelle, la gouache ou l’encre jouent avec le vide et le plein et les signes deviennent, strate après strate, une chair vivante, un scintillement de molécules. Le graphisme absorbe l’espace et se fait image. Reculez-vous maintenant et respirez : la page écrite devient tableau. » Pierre Cabanne
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Pierre MARCHAND Des Arbres et des Hommes Exposition du 20avril au 15 juin 2013 Peintures et sculptures Vernissage le samedi 20 avril de 10 h 30 à 12 h 30 Peintures En lien étroit avec la nature et les questionnements suscités par les atteintes constantes portées à l’environnement, la peinture de Pierre MARCHAND apparaît comme une tentative de réconciliation. Il confronte la rigueur géométrique de ses assemblages de papiers à l’énergie du geste, intensément coloré. Réunissant ainsi ce qui semblait séparé, le peintre révèle la croissance prolifique et la multiplicité de forme des végétaux dans l’espace du tableau. Une œuvre picturale lumineuse, au sein d’une évocation artistique ou les aplats de couleurs, arabesques ou nervures végétales librement tracées, ordonnent un apparent désordre rythmé au gré des quatre saisons. Un chemin de vie végétale, circulaire et éternel, dématérialisé certes, mais bien vivant. Ou encore utopique, frêle, fantasmagorique et mystérieuse, la série des « jardins clos » est au final, empreinte d’un fragile équilibre, troublé le plus souvent par la main de l’homme. Un bel hymne à la nature qui interroge et médite sur la place de l’homme dans le monde et l’équilibre de la nature. Les Arbres Le regard de l’Arbre André MALRAUX parle de l’arbre comme d’une image indestructible, inépuisable image qui imprègne toutes les cultures du monde. « Peindre un arbre est pour moi une évidence, une continuité dans ma quête qui tend à rapprocher l’homme de la nature. Picturalement mon regard doit apprivoiser son mouvement, chercher sa densité, sa force, mettre en valeur son caractère unique, inscrire l’arbre dans l’immensité du ciel, traduire la relation entre l’arbre et le monde dur. » L’homme doit capter cette énergie libérée dans l’espace afin de se rapprocher du monde végétal. Un artiste nous livre toujours de quelque façon son regard sur le monde. Et cela quelles que soient sa démarche, sa technique, sa façon de se situer (ou pas) dans l’histoire des arts. Quelle est donc la vision de Pierre MARCHAND, peintre et sculpteur ? Sculptures Ce qu’il donne à voir nous projette dans un univers d’arbres, de végétaux et de saisons : jardins clos Hommes graines, le regard de l’arbre… Avons-nous à faire à un paysagiste ? Il n’en est rien. Car dans son œuvre la nature n’est pas représentée. Et elle nous interroge. A une époque où de mille façons l’homme ne cesse de rompre son pacte immémorial avec la nature, Pierre MARCHAND nous restitue avec la force de l’évidence l’émotion primitive du contact perdu. L’arbre est un motif central. Vigoureux, dense et coloré sur ses toiles, il devient dans l’œuvre sculptée le matériau privilégié, doté d’un double langage : celui du chêne, orme ou cèdre qu’il a été, et celui de l’objet nouveau qui le rend à la vie. Regardons les Hommes graines, êtres hybrides jaillissant parmi leurs frères végétaux : silhouettes longilignes et graciles, puissantes pourtant, marquées de stries et noircies par le feu. Telles des rescapées de la folle guerre que l’homme mène contre la nature - ainsi en est-il de la forêt amazonienne - elles clament silencieusement le triomphe du vivant. Qui dit arbre dit jardin. Un jardin toujours rêvé, souvent perdu. Un mythe souvent revisité, mais qui se lit en filigrane, dans l’œuvre de Pierre MARCHAND, comme le tremblant espoir d’une renaissance. Monique SERPINSKY. JARDINS METAPHORES Le jardin, on le sait, est au delà de son utilité un sujet constant d’inspiration artistique. Pas seulement pour l’apprivoisement et la mise en ordre de la nature qu’il propose, mais comme métaphore des aspirations humaines. Le Moyen Age avait ses jardins mystiques, l’Extrême-Orient ses jardins philosophiques, on connaît les compositions troublantes de Jérôme Bosch « le jardin des délices » et le « jardin des supplices » et aussi la conclusion devenue proverbe du conte de Voltaire « Candide » : « il faut cultiver son jardin » c’est à dire savoir organiser sa vie sans rêver d’impossible. C’est dans ce registre métaphorique que se situe le travail que propose actuellement Pierre MARCHAND « jardins clos ». Une série d’œuvres ou plutôt une œuvre en plusieurs tableaux, réalisés au même format et selon le même vocabulaire plastique. Six rectangles de même dimension, peints en gestes rapides dans la même gamme restreinte de couleurs acryliques, mais, si l’on peut dire, chacun pour soi, puis assemblés en un tableau plus grand. L’assemblage est ensuite retravaillé, pour assurer sa cohésion plastique. Il ne s’agit donc pas d’illustrer un thème, mais de concevoir l’espace de la toile comme un espace cultivé, chacun des six rectangles étant assimilable aux planches qui divisent un jardin, cultivées isolement, l’unité de l’espace étant portée par l’ordonnance globale du jardin clos. Le propos pourrait sembler bien conceptuel s’il n’était pas porté par l’énergie gestuelle du pinceau et par la sensualité des couleurs. Georges CHÂTAIN.
Exposition de peintures et sculptures Les Arbres Le regard de l’Arbre André MALRAUX parle de l’arbre comme d’une image indestructible, inépuisable image qui imprègne toutes les cultures du monde. Hommes graines, le regard de l’arbre… Avons-nous à faire à un paysagiste ? Il n’en est rien.
Quelle est donc la vision de Pierre MARCHAND, peintre et sculpteur ?
A la galerie ECRITURESDes Arbres et des Hommes Exposition du 20avril au 15 juin 2013 Peintures et sculptures Vernissage le samedi 20 avril de 10 h 30 à 12 h 30
Rencontre avec le peintre/sculpteur de 10 h à 12 h 30, vernissage et causerie
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Carte blanche à fondencre Ancrée en Limousin mais ouverte sur le monde, l’Association fondencre se consacre à l’édition de littérature, une littérature dans laquelle la poésie doit trouver toute sa place. Elle privilégie également le rapport texte/image en invitant des artistes à collaborer à la plupart de ses projets. C’est dans cette perspective qu’elle a volontiers accepté l’invitation de la Galerie Écritures dans laquelle elle a le plaisir d’exposer : du 9 mars au 18 avril 2013 - les affiches poèmes de Jean Deneubourg, typographe installé en Creuse - les montages photo/typo réalisés à partir des travaux du photographe Philippe Rolle - des œuvres d’artistes avec lesquels fondencre a collaboré ( Claire Cuenot, René Balavoine, Jean Corrèze, Alain Lacouchie, Jean-Pierre Châtelain, etc. ) Exposition ouverte au public du 9 mars au 18 avril — du mardi au vendredi de 15h à 18h — le samedi de 10h à 12H et de 15h à 18h Créée en 2005 par Philippe Biget avec la complicité de quelques proches et amis, l’Association fondencre est à vocation littéraire et artistique. Elle développe principalement une activité éditoriale exigeante et ouverte sur le monde déclinée en quatre collections (Récits et fictions, Beaux Livres, Écrits sur l’Art, Jalons du XXe siècle). Nous apportons beaucoup de soin à la confection de nos livres (papier, typographie, maquette, etc). Nous associons toujours un artiste contemporain à la présentation de nos ouvrages. Pour en savoir plus, cliquez sur les rubriques Catalogue et Ligne éditoriale. Elle contribue également à la diffusion de certains livres d’intérêt général portant un regard sur la Région Limousin où se trouve son siège (voir rubrique Côté Limousin). Enfin, elle propose de temps à autre des rencontres littéraires et culturelles ligne éditoriale L’Association fondencre développe une activité d’édition de livres soignés déclinée en quatre collections dans le domaine littéraire. Collection Beaux Livre Livres mixtes mêlant textes poétiques et reproductions d’œuvres d’art, le poète et le plasticien devant être contemporains. Dans la mesure du possible les deux artistes seront invités à participer ensemble à la conception du livre (forme, mise en pages, rapport entre texte et image, etc. …) de façon à rendre perceptible au lecteur une rencontre fertile de deux imaginaires. Cette collection pourra accueillir certains travaux de bibliophilie à faible tirage. Collection Récits et fictions Recueils de nouvelles, récits, contes, fragments, ou romans écrits par des auteurs contemporains. La préférence sera donnée à des écritures inventives au service d’histoires vécues ou imaginées illustrant certains traits permanents de l’humanité dans une perspective résolument contemporaine... Collection Écrits sur l’Art Textes littéraires écrits par un auteur contemporain dans le cadre d’une démarche vers un autre artiste (écrivain, peintre, musicien, cinéaste, etc.) qu’il soit contemporain ou non. Ces contributions devront présenter une vision originale de l’œuvre de l’artiste concerné, vision qui exprime une empathie appuyée sur une réflexion critique. L’iconographie éventuellement intégrée au livre sera particulièrement soignée. Collection Jalons du XXe siècle Publications de textes inédits ou rééditions de textes introuvables d’auteurs ayant marqué, d’une façon ou d’une autre, l’histoire littéraire du XXème siècle. Ces publications ne devront pas simplement combler un vide éditorial mais permettre aux lecteurs d’accéder à des textes ayant conservé vigueur et acuité dans le monde d’aujourd’hui. Mode d’édition : Tous nos livres sont édités à compte d’éditeur. Ils font l’objet d’un dépôt à la BNF et sont référencés Electre et Dilicom. http://www.fondencre.fr/fondencre.html
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Vernissage le Vendredi 19 octobre à la Galerie ECRITURES 18h30 Signature à la librairie « Le Talon d’Achille Samedi 20 octobre de 10 h à 12 h Exposition de dessins et croquis originaux de Jean Philippe STASSEN à la Galerie ECRITURES 1, rue Pierre Petit 03100 MONTLUCON du 10 Octobre au 24 Novembre 2012 Né à Liège en 1966, Jean-Philippe Stassen entre en bande dessinée aux côtés d’un autre Liégeois, le scénariste Denis Lapière. Après Bahamas et Bullwhite, premiers livres issus de publications courtes dans L’Écho des savanes, les deux auteurs signent un diptyque dans la prestigieuse collection « Aire libre » des Éditions Dupuis, en 1992. Le Bar du vieux Français est basé sur les souvenirs du dessinateur, retranscrits et transformés en fiction par le scénariste. Il remportera de nombreux prix, parmi lesquels l’Alph-Art, coup de cœur du Festival international de la bande dessinée d’Angoulême et, bien des années plus tard, le prix des 20 ans de l’ACBD, l’Association des Critiques de Bande dessinée, choix ultime des critiques français et belges sur vingt ans de bande dessinée de création. Fort de cette première expérience dans la collection de prestige des Éditions Dupuis, Jean-Philippe Stassen va y publier en solo des livres au ton singulier, Louis le Portugais (qui prend sa ville, Liège, pour décor) et Thérèse (qui aborde la douloureuse question du retour au pays). Deux ouvrages qui montrent déjà à quel point Stassen s’intéresse aux laissés-pour-compte. On y observe avec attention le développement d’un graphisme marqué par le mariage entre une peinture naïve d’origine africaine s’exprimant notamment au travers de couleurs vives et le dessin de bande dessinée franco-belge, marqué par le cerné noir. Jean-Philippe Stassen publie ensuite Déogratias en 2000, (Prix France Info), ayant pour cadre le Rwanda avant et juste après le génocide de 1994, Pawa, chronique sur ses séjours rwandais (paru en 2002 chez Delcourt), et, dans son sillage, Les Enfants (à nouveau dans la collection « Aire libre » des Éditions Dupuis). À partir de là, Stassen change de statut. Il n’est plus seulement un auteur complet. Il devient une sorte de journaliste. Non pas comme Joe Sacco ou Étienne Davodeau. Stassen est un voyageur. Un nomade dans l’âme. Un aventurier très singulier. Jean-Philippe Stassen ne découvre pas des terres encore vierges mais des humains et leur histoire présente. Un vrai baroudeur, un de ces hommes qui prennent des allers simples, loin de songer déjà au retour, car il n’est pas nécessaire qu’il y en ait un… Quand il revient, il se mue en conteur. C’est le besoin d’exorciser les horreurs vues et vécues, de partager les beautés rencontrées. Il n’est pas un bonimenteur d’exploits, c’est un auteur de bande dessinée dont chaque ouvrage pourrait être qualifié d’« album de combat ». Le « combat » des hommes dont le pays est en guerre, en luttes fratricides ou en révolte contre le pouvoir en place. Le « combat » de Stassen pour les faire connaître et comprendre. Son terrain de prédilection reste la fiction. Mais il témoigne de ce qu’il a vu, lu, appris lors de ses nombreux séjours au Rwanda et dans toute l’Afrique des Grands Lacs en le transposant dans des histoires touchantes, voire terrifiantes, tant elles sont ancrées dans le réel. Jean-Philippe Stassen entame avec ces livres un combat en faveur d’une littérature de bande dessinée engagée, posant un regard intelligent et acéré sur une région de l’Afrique trop souvent présentée à travers des visions tronquées, partiales ou peu informées. Grand voyageur, Stassen a parcouru très jeune les routes et les pistes de l’Algérie, du Maroc, du Sénégal et du Burkina Faso avant de cingler vers le cœur de l’Afrique. Ce n’est sans doute pas par hasard qu’il a illustré le roman Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad pour les Éditions Futuropolis. La noirceur des récits publiés ces quinze dernières années s’exprime particulièrement dans les scènes nocturnes. Sous les cieux étoilés d’Afrique, l’absence de lumière artificielle confère souvent à ces scènes des aspects dramatiques intenses. Délaissant provisoirement la bande dessinée sous sa forme traditionnelle, les deux derniers travaux de Jean-Philippe Stassen s’apparentent davantage au travail documentaire en bande dessinée. À l’hiver 2008, il réalise un premier reportage pour le magazine XXI à Gibraltar. Et à l’été 2010, pour le même magazine, il raconte la région du Kivu, en République démocratique du Congo, une province secouée par la guerre depuis une vingtaine d’années. Son regard de spécialiste se double d’une approche humaine véritablement empathique. • Bahamas (sur un scénario de Denis Lapière), éd. Albin Michel, Paris, 1988 • Bullwhite (sur un scénario de Denis Lapière), éd. Albin Michel, Paris, 1989 • Le Bar du vieux Français (sur un scénario de Denis Lapière), éd. Dupuis, Marcinelle 1. Tome 1, 1992 2. Tome 2, 1993 o Intégrale, 1999 • Louis le Portugais, éd. Dupuis, Marcinelle, 1998 • Thérèse, éd. Dupuis, Marcinelle, 1999 • Déogratias, éd. Dupuis, Marcinelle, 2000 • Pawa : Chronique des monts de la Lune, éd. Delcourt, Paris, 2002 • Les Enfants, éd. Dupuis, Marcinelle, 2004 • Nous avons tué le chien teigneux (illustration du texte de Luís Bernardo Honwana), trad. de Michel Laban, éd. Chandeigne, Paris, 2006 • Cœur des ténèbres (édition illustrée et commentée du texte de Joseph Conrad, avec Sylvain Venayre), éd. Futuropolis, Paris, 2006 • Les visiteurs de Gibraltar (in XXI, N°1), Paris, 2008 • L'étoile d'Arnold (in XXI, N°11), Paris, 2010 • L'Île au trésor (sur un scénario de Sylvain Venayre, librement adapté du texte de Robert-Louis Stevenson), éd. Futuropolis, Paris, 2012 • Grands Reporters (collectif) Jean-Philippe Stassen a suivi les migrants de Gibraltar et, trois ans plus tard, un enfant soldat au Congo, éd. Les Arènes XXI, 09-2012 • XXI, N°20 sortie le 11 octobre 2012
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